“Cry Macho” – 2021 – La recensione

Regia: Clint Eastwood / Anno: 2021 / Genere: Drammatico, Western /

Il crepuscolo conclusivo

“Cry Macho” rinuncia quasi completamente al conflitto violento per interrogarsi sul significato della vecchiaia, della memoria e sul tramonto della mascolinità. Una riflessione, dopo quella sul sacrificio in “Gran Torino” e quella sui rimpianti di “The Mule”, che trova sfogo nella possibilità di vivere gli ultimi anni senza dimostrare più nulla a nessuno.

La narrazione adotta la forma del road movie, ma rifiuta qualsiasi acceleratore tipica del cinema contemporaneo. Il viaggio di Mike e Rafo non è una successione di ostacoli sempre più spettacolari, ma un lento processo di conoscenza reciproca dove la fuga è solo un pretesto per osservare due generazioni profondamente diverse che convivono lo stesso tempo, spazio e silenzio. In questo viaggio, progressivamente meno geografico e più esistenziale, gli antagonisti restano spesso sullo sfondo e vengo liquidati senza particolare enfasi, mentre la quasi mancanza di suspense sposta maggiormente l’attenzione sul tempo e su una forma di paternità alternativa che rifiuta autorità e forza. La sceneggiatura conferma la continuità crepuscolare con i film già citati definendo un protagonista anziano e pieno di rimpianti che trova nella relazione con una generazione più giovane la possibilità di riconciliarsi con il proprio passato. Tuttavia, qui il protagonista sembra già aver accettato la sconfitta ed il legame con il giovane Rafo si costruisce di piccoli insegnamenti ed una fiducia reciproca che assume toni estremamente sobri, dove l’idea di mascolinità viene sottoposta ad una revisione critica dominata da gentilezza, responsabilità e capacità di prendersi cura degli altri. Un dialogo emblematico definisce l’idea di macho come sopravvalutata, il che riassume perfettamente l’intera filosofia dell’ultimo Eastwood. Anche il western sopravvive come memoria in un viaggio privo di frontiere dove non c’è più la necessità di affermazione, ma solo il dovere di accompagnare qualcun’altro nella costruzione della propria identità. Eastwood costruisce un personaggio che accetta serenamente i propri limiti fisici e morali, trasformando la fragilità nel vero centro emotivo del racconto.

La regia di Eastwood rappresenta qui forse l’esempio più puro di essenzialità eastwoodiana. La macchina da presa osserva con discrezione in un ritmo estremamente dilatato, dove tutto ruota sull’osservazione del trascorrere del tempo, dei paesaggi rurali e sugli sguardi dei protagonisti. L’azione, quasi interamente svuotata della propria funzione spettacolare, sembra voler negare allo spettatore ogni aspettativa legata al passato cinematografico, lasciando al protagonista la sola esperienza come possibilità di fuga. Il dialogo sottile con il genere western classico sfrutta l’immaginario degli spazi aperti e degli orizzonti sconfinati, ma il paesaggio non è più una frontiera da conquistare, ma uno spazio per trovare la pace. Eastwood è il centro della messa in scena. Ogni sua esitazione e movimento rallentato dall’età viene evidenziato come trasposizione del passare del tempo, il che lo rende parte integrante del linguaggio cinematografico. Il finale, che ha il sapore di un addio, è una riflessione sullo stesso regista. Non più un uomo che tenta di correggere il passato, ma colui che accetta il tempo trascorso e sceglie di vivere il tempo restante senza inseguire l’immagine dell’eroe. Difficile immaginare un commiato più coerente con il percorso umano ed artistico.

Un film poco appariscente e molto sincero che rappresenta il naturale approdo della poetica dell’ultimo Eastwood.

Voto: 72/100