“Digger” – 2026 – La recensione

Regia: Alejandro G. Iñárritu / Anno: 2026 / Genere: Commedia, Drammatico /

L’apocalisse come spettacolo del falso

“Digger” è una satira apocalittica ambiziosa, provocatoria e volutamente sgradevole, nella quale Alejandro G. Iñárritu tenta di trasformare la crisi ambientale contemporanea in una rappresentazione grottesca del potere economico, della vanità individuale e dell’incapacità collettiva di affrontare la propria autodistruzione. Il riferimento a “Il dottor Stranamore” di Stanley Kubrick emerge immediatamente, tanto nella costruzione di personaggi caricaturali quanto nell’idea di raccontare una catastrofe attraverso l’assurdità dei comportamenti umani. Il paragone, tuttavia, finisce soprattutto per evidenziare ciò che manca all’opera di Iñárritu, ovvero quella precisione satirica capace di trasformare ogni eccesso in una componente necessaria del discorso.

Al centro del film si trova Digger Rockwell, magnate dell’industria petrolifera interpretato da un Tom Cruise completamente trasformato, figura narcisistica e contraddittoria intorno alla quale prende forma una vicenda legata al rischio di un disastro ecologico provocato dallo sfruttamento intensivo di un giacimento di metano sulle coste della Groenlandia. Iñárritu costruisce così un disaster movie ambientalista che utilizza il linguaggio della commedia nera per affrontare contraddizioni estremamente attuali, dalla dipendenza dai combustibili fossili alle difficoltà concrete della transizione energetica, fino alla distanza tra responsabilità pubbliche e interessi privati.

La narrazione prende avvio da una premessa estremamente efficace, utilizzando la minaccia ambientale come elemento capace di mettere in movimento interessi economici, responsabilità politiche e comportamenti individuali. Il racconto sembra inizialmente possedere una direzione precisa, facendo convivere l’urgenza del possibile disastro con il carattere grottesco dei protagonisti e lasciando intuire una progressiva escalation di situazioni sempre più assurde. È paradossalmente questa progressione, tuttavia, a non trovare una continuità soddisfacente. Iñárritu alterna improvvise accelerazioni a lunghe parentesi nelle quali l’azione sembra sostanzialmente sospendersi, soffermandosi su situazioni secondarie che non sempre arricchiscono il quadro complessivo. Il film procede per guizzi isolati, trovando momenti di grande inventiva, ma faticando a collegarli attraverso un ritmo realmente coinvolgente. Una satira infatti può essere potenzialmente contemplativa, persino volutamente estenuante, purché l’immobilità produca una tensione o aggiunga significato. In Digger, invece, diversi rallentamenti sembrano interrompere il movimento senza modificarne realmente la direzione, facendo percepire la durata di alcune scene come sproporzionata rispetto al loro contributo narrativo. La parte conclusiva recupera una certa capacità di sorprendere, dimostrando quanto la struttura avrebbe potuto essere più incisiva attraverso una gestione differente delle informazioni. Il risultato complessivo resta però quello di un’opera discontinua, capace di accendere improvvisamente l’attenzione e altrettanto rapidamente di disperderla.

La sceneggiatura trova il proprio nucleo più interessante nella contraddizione tra la consapevolezza della catastrofe e l’incapacità di modificare realmente i comportamenti che la stanno provocando. Digger Rockwell incarna questa frattura, rappresentando un sistema economico che riconosce implicitamente la propria pericolosità, ma continua a giustificare la necessità della propria esistenza. La questione energetica viene affrontata attraverso una provocazione altrettanto efficace. La dipendenza contemporanea dai combustibili fossili è reale e la transizione verso fonti alternative presenta difficoltà industriali, economiche e temporali che non possono essere cancellate attraverso semplici dichiarazioni di principio. Il film sfrutta questa complessità per costruire una satira nella quale interessi legittimi, opportunismi e ipocrisie diventano progressivamente indistinguibili, evitando almeno nelle intenzioni di ridurre la crisi ecologica a una contrapposizione elementare tra buoni e cattivi. In questa prospettiva assume particolare importanza la componente metacinematografica. L’idea della ricostruzione di un evento attraverso una rappresentazione filmica introduce una riflessione sulla distanza tra realtà e spettacolo, suggerendo come persino la catastrofe possa essere trasformata in un prodotto narrativo, organizzato secondo esigenze di visibilità, consenso e autocelebrazione. Un’intuizione potente, che tuttavia non trova sempre uno sviluppo altrettanto rigoroso. La scrittura tende a rendere eccessivamente espliciti i propri bersagli, insistendo su caratterizzazioni e provocazioni che spesso esauriscono rapidamente il loro significato. La deformazione grottesca diventa così una modalità pressoché permanente, perdendo quella capacità di sorprendere che dovrebbe rappresentare uno degli strumenti fondamentali della satira.

Ne deriva una curiosa contraddizione. Il film è contemporaneamente troppo eccentrico per essere una commedia generalista e troppo didascalico per raggiungere pienamente la sofisticazione delle grandi satire politiche. Le sue intuizioni sono spesso intelligenti, ma la necessità di sottolinearle finisce per limitarne la forza. Tom Cruise è indiscutibilmente il grande protagonista dell’operazione ed offre una delle interpretazioni più coraggiose e sorprendenti della propria carriera recente. Digger Rockwell gli permette di abbandonare l’immagine dell’eroe fisicamente impeccabile e moralmente determinato, costruendo invece una figura eccessiva, narcisistica, repulsiva e profondamente contraddittoria. Cruise sembra divertirsi nel demolire il proprio divismo, lavorando su gestualità, voce, espressioni e comportamenti lontanissimi dalla compostezza che ha caratterizzato buona parte delle sue produzioni d’azione. Il personaggio possiede qualcosa dell’istrionismo di Les Grossman in Tropic Thunder, ma trova soprattutto nella complessità morale una parentela con Frank T.J. Mackey di Magnolia, altra interpretazione nella quale l’attore aveva utilizzato il proprio carisma per rappresentare una personalità profondamente disturbata. Particolarmente riuscita è la sequenza dell’accusa pubblica, nella quale Cruise può finalmente sviluppare l’intero potenziale teatrale del personaggio, passando attraverso registri differenti e facendo convivere arroganza, vulnerabilità, manipolazione e un bisogno quasi patologico di essere riconosciuto. La sua interpretazione suggerisce inoltre una possibile evoluzione della carriera. Dopo decenni trascorsi a identificarsi con il cinema d’azione e con la spettacolarità delle proprie imprese fisiche, Cruise dimostra di possedere ancora enormi possibilità in ruoli costruiti sulla trasformazione, sulla contraddizione e sulla libertà interpretativa. John Goodman è l’altro grande elemento di forza. Il suo presidente possiede una comicità grottesca immediata, trovando proprio nell’assurdità del comportamento e nella naturalezza con cui viene esibita quella precisione satirica che il film avrebbe avuto bisogno di mantenere più costantemente. Le sue apparizioni funzionano perché il personaggio è già sufficientemente assurdo senza che la messa in scena debba continuamente insistere per renderlo tale.

La regia di Alejandro G. Iñárritu è contemporaneamente la principale fonte di fascino e uno dei maggiori problemi di Digger, in quanto costruisce un universo visivo estremamente ricercato nel quale ogni elemento sembra partecipare a una rappresentazione volutamente deformata del presente. La fotografia di Emmanuel Lubezki, l’impiego del formato VistaVision, il lavoro sulle scenografie e la costruzione sonora contribuiscono a conferire al film una dimensione monumentale, trasformando personaggi e ambienti in elementi di un mondo che sembra costantemente sul punto di collassare. Le composizioni possiedono una ricchezza notevole e Iñárritu utilizza spesso la profondità degli spazi e la disposizione delle figure per sottolineare la sproporzione tra il potere esercitato dai protagonisti e la loro sostanziale miseria morale. La macchina da presa cerca continuamente soluzioni espressive capaci di amplificare il grottesco, deformando la percezione dei personaggi e alternando momenti di grande dinamismo a inquadrature più insistite. L’ambizione formale è evidente e alcune sequenze possiedono un’inventiva realmente notevole, soprattutto quando il linguaggio cinematografico riesce a trasformare l’assurdità della situazione in una costruzione visiva altrettanto assurda. Il problema emerge quando questa ricerca dell’eccesso smette di produrre differenze. Iñárritu sembra voler mantenere costantemente il film su una frequenza espressiva altissima, senza costruire un sistema sufficientemente articolato di pause, contrasti e accelerazioni. La provocazione continua finisce così per trasformarsi in normalità, generando una sorta di monotonia dell’eccesso nella quale anche le invenzioni migliori perdono progressivamente capacità di incidere.

Kubrick, ne “Il dottor Stranamore”, costruiva il grottesco attraverso una precisione quasi matematica, permettendo all’assurdità di emergere dalla serietà con cui i personaggi affrontavano situazioni sempre più paradossali. Iñárritu sceglie invece di dichiarare continuamente la deformazione, rendendo il proprio universo così insistentemente eccentrico da ridurre il contrasto necessario alla comicità. Anche le lunghe sospensioni contribuiscono a questo effetto. La macchina da presa può soffermarsi su situazioni e comportamenti senza che l’insistenza produca un incremento di tensione o una nuova prospettiva, trasformando la ricercatezza formale in una dilatazione non sempre giustificata. Nonostante tutto il film resta comunque un’opera di grande personalità visiva, lontanissima dalla standardizzazione di molto cinema contemporaneo. La sua confezione è imponente, le immagini sono spesso bellissime e il coraggio di costruire una satira tanto sgradevole merita attenzione, ma proprio perché le possibilità tecniche ed espressive sono così elevate, pesa maggiormente l’incapacità di organizzarle in una forma altrettanto incisiva.

Una satira apocalittica coraggiosa, visivamente straordinaria e sostenuta da un Tom Cruise eccezionale, ma incapace di trasformare le proprie intuizioni in un ritmo costante. Un eccesso di ambizione che finisce troppo spesso per diventare un eccesso sterile.

Voto: 65/100