“Eva contro Eva” – 1950 – La recensione

Regia: Joseph L. Mankiewicz / Anno: 1950 / Genere: Drammatico /

Il palcoscenico dell’ambizione

“Eva contro Eva” è uno dei vertici assoluti del cinema americano classico e una delle più raffinate riflessioni mai realizzate sul rapporto tra successo, identità e rappresentazione. Il palcoscenico diventa una metafora dell’intera società dello spettacolo, un laboratorio dell’esistenza dove la finzione smette progressivamente di distinguersi dalla realtà. L’ambizione non viene mai raccontata come una qualità negativa o positiva, ma come una forza inevitabile che attraversa l’arte stessa e che tende inevitabilmente a consumare le singole identità. La modernità dell’opera risiede nella capacità di andare oltre i dialoghi esponenzialmente brillanti ed il melodramma teatrale, per accedere ad un’analisi profonda ed impietosa dei rapporti umani e della ciclicità immorale del potere.

La narrazione adotta una struttura ciclica costruita sul racconto retrospettivo, aprendo il film nel momento della consacrazione di Eva Harrington per poi ricostruire il percorso che l’ha portata al successo. In questa struttura ogni gesto acquista progressivamente un significato diverso durante l’inevitabile progressione. Ciò che inizialmente appare come spontaneità si rivela calcolo ed il confine tra sincerità e manipolazione tende a dissolversi scena dopo scena. Incredibile la capacità del racconto di trasformare un ambiente apparentemente ristretto in un universo estremamente complesso, dove camerini e feste mondane diventano il teatro di una guerra silenziosa combattuta tra parole e sorrisi. L’azione, praticamente assente, è totalmente sostituita da una tensione psicologica opprimente costruita sul potere del dialogo e sulla continua ridefinizione dei rapporti di forza. La sceneggiatura è senza ombra di dubbio uno dei più alti esempi di scrittura dialogica nella storia del cinema, un capolavoro testuale capace di riflettere attentamente sul rapporto tra potere, identità ed ambizione. Ogni battuta svolge contemporaneamente più funzioni, dal semplice avanzamento della narrazione agli approfondimenti psicologici del ventaglio sociologico fino a riflettere profondamente sulla natura meschina del mondo dello spettacolo. Il dialogo non è mai un semplice veicolo di informazioni, ma un aspro campo di battaglia dove i protagonisti esercitano il proprio potere sugli altri. Eve Harrington, uno dei personaggi più affascinanti e controversi del cinema americano, non viene mai definita da un giudizio morale assoluto, ma è lasciata al confronto con lo spettatore, il quale si trova davanti delle sfaccettature che vanno dalla pura passione teatrale all’altrettanto puro arrivismo. L’intuizione più brillante consiste nel costruire una continua dialettica tra realtà e rappresentazione, dove tutti i personaggi recitano anche nella vita quotidiana. Il teatro invade progressivamente ogni rapporto umano, facendo della menzogna, della seduzione e della costruzione dell’immagine pubblica gli strumenti attraverso il cui si esercita il potere. La progressione evita il colpo di scena artificioso e costruisce il proprio crescendo spostando gli equilibri della scalata sociale, lasciando lo spettatore in balia delle manipolazioni altrui. Ne deriva parallelamente un ritratto ciclico e spietato del sistema dello spettacolo, un meccanismo di falsità destinato a rigenerarsi all’infinito che rivela la sua natura infernale solo a chi conosce bene i meccanismi manipolativi più subdoli.

La regia di Mankiewicz costruisce un linguaggio estremamente elegante nel quale ogni movimento di macchina, ogni posizione spaziale e ogni composizione contribuisce a definire gli equilibri psicologici e drammatici della scena. Gli spazi teatrali assumono una funzione simbolica, trasformandosi nella naturale estensione dell’identità dei protagonisti, mentre la fotografia in bianco e nero esalta il clima di sofisticazione modellando i volti attraverso un uso raffinato della luce, il che valorizza sia i volti che le sottili ambiguità emotive. Eve viene inizialmente collocata ai margini della scena, ma con il procedere della narrazione conquista progressivamente il centro dell’immagine e dello spazio, rendendo visivamente percepibile la sua ascesa senza sottolineature esplicite. Il montaggio, assolutamente perfetto, mantiene un ritmo controllato che permette ad ogni scena di svilupparsi pienamente, soprattutto nel sottotesto. Bette Davis realizza probabilmente una delle più grandi interpretazioni della propria carriera, costruendo una Margo Channing capace di alternare ironia, fragilità, aggressività e malinconia con una naturalezza impressionante. Anne Baxter e George Sanders costruiscono interpretazioni misurate, dove ogni inflessione e ogni pausa contribuiscono a rendere credibile la continua simulazione.

Forse la miglior scrittura della storia del cinema.

Voto: 92/100