“Gioco a due” – 1999 – La recensione

Regia: John McTiernan / Anno: 1999 / Genere: Romantico, Thriller /

Il piacere di essere inseguiti

“Gioco a due” è un remake elegante, divertente e dichiaratamente più convenzionale del film di Jewison, capace di aggiornare Thomas Crown alla fine degli anni Novanta trovando in Pierce Brosnan un protagonista quasi inevitabile, ma perdendo contemporaneamente buona parte dell’ambiguità e della tensione psicologica che rendevano così particolare l’originale. McTiernan conserva l’idea fondamentale dell’uomo ricchissimo che ruba non per necessità ma per il piacere della sfida, spostando però il baricentro verso una dimensione maggiormente romantica. Il rapporto tra Crown e Catherine Banning cresce dalla contrapposizione tra ladro e investigatrice, ma progressivamente il gioco del gatto e del topo lascia spazio a una relazione sentimentale molto più tradizionale, nella quale la componente criminale diventa quasi il sofisticato terreno di gioco della coppia. Il risultato è meno originale, ma possiede fascino, ritmo, una confezione estremamente curata e alcune sequenze di furto costruite con notevole inventiva.

La prima parte della narrazione possiede una costruzione particolarmente efficace che entra rapidamente nel meccanismo del furto, stabilendo Crown come protagonista (e contemporaneamente come enigma da decifrare) e introducendo Catherine come figura capace almeno inizialmente di alterarne il controllo. Thriller, investigazione e commedia sentimentale procedono insieme con grande naturalezza, mantenendo il racconto scattante. Il film rallenta nella parte centrale, quando la relazione prende definitivamente il sopravvento sull’indagine. La dinamica comincia a ripetersi attraverso avvicinamenti, sospetti, confronti e riconciliazioni, perdendo parte della tensione costruita inizialmente. Non è tanto la presenza del romance a rappresentare il problema quanto il fatto che, progressivamente, il film abbia sempre meno elementi da opporgli. Anche l’equilibrio tra i protagonisti cambia. Catherine entra nel racconto come cacciatrice, diventando rapidamente una delle poche persone capaci di mettere Crown sotto pressione. Procedendo, però, la narrazione tende sempre maggiormente ad assumere il punto di vista e soprattutto il controllo del protagonista. Crown sembra sapere quasi sempre qualcosa in più degli altri e Catherine finisce progressivamente per reagire alle sue mosse invece di costringerlo a reagire alle proprie. Alcuni passaggi investigativi richiedono inoltre una sospensione dell’incredulità piuttosto generosa. Movimenti all’interno del museo, sistemi di sicurezza e possibilità concesse al protagonista risultano talvolta troppo evidentemente funzionali al meccanismo spettacolare. Fortunatamente la parte conclusiva recupera energia, costruendo una rapina finale molto divertente e basata su un’idea visiva tanto semplice quanto efficace.

Thomas Crown rimane l’idea più affascinante della sceneggiatura. Un uomo che possiede tutto e che proprio per questo deve inventarsi qualcosa capace di restituirgli la sensazione del rischio. Non cerca il denaro contenuto nell’opera d’arte, ma l’esperienza di sottrarla, trovando nel crimine una forma di piacere intellettuale. Pierce Brosnan porta inevitabilmente nel personaggio qualcosa della propria immagine bondiana, ma la sceneggiatura utilizza intelligentemente questa associazione. Crown possiede abiti impeccabili, denaro, sicurezza, capacità seduttiva e controllo degli ambienti, ma non ha una missione da compiere. Tutta quella perfezione viene quindi indirizzata verso il divertimento personale, facendo del crimine quasi un passatempo necessario a combattere la noia. Catherine Banning parte invece benissimo. È intelligente, aggressiva, sicura della propria capacità di leggere gli altri e soprattutto poco impressionata dal patrimonio e dal fascino di Crown. Più il film diventa sentimentale, più Catherine perde parte dell’autonomia iniziale. L’attrazione smette progressivamente di essere uno strumento utilizzato da entrambi e diventa soprattutto il conflitto emotivo di lei, mentre Crown conserva molto più saldamente il controllo della situazione.

Qui emerge soprattutto la distanza dall’originale. Tra McQueen e Dunaway esisteva una componente quasi predatoria, con due persone continuamente impegnate a capire se il sentimento fosse autentico oppure un’altra mossa della partita. Brosnan e Russo possiedono una bella chimica, ma la sceneggiatura elimina progressivamente questa ambiguità. Anche la sessualità viene resa molto più esplicita. La celebre scena tra i protagonisti è fantasiosa e perfettamente inserita nella sensualità patinata del film, ma rende concreto qualcosa che l’originale riusciva spesso a mantenere nella tensione dello sguardo. Molto intelligente è invece la presenza di Faye Dunaway come psicanalista di Crown. Non si limita a essere un semplice cameo nostalgico, diventando una sorta di collegamento ideale con il film precedente e permettendo alla sceneggiatura di osservare Crown dall’esterno.

La regia di John McTiernan abbandona inevitabilmente la sperimentazione pop di Norman Jewison, scegliendo un’eleganza molto più coerente con il grande cinema hollywoodiano della fine degli anni Novanta. Non cerca split screen, montaggi aggressivamente modernisti o continue invenzioni grafiche, costruendo invece un mondo estremamente levigato nel quale musei, appartamenti, abiti, automobili e opere d’arte partecipano direttamente alla definizione del protagonista. Gli spazi sono ampi, sofisticati e ordinati, mentre Brosnan li attraversa con la sicurezza di chi non sembra mai trovarsi realmente fuori posto. L’eleganza della confezione diventa quindi una prosecuzione della personalità del personaggio. Le sequenze dei furti rappresentano inevitabilmente il terreno nel quale il regista si trova maggiormente a proprio agio. McTiernan lavora sulla preparazione dell’azione, sulla distribuzione delle informazioni e soprattutto sul rapporto tra ciò che lo spettatore pensa di sapere e ciò che Crown ha realmente pianificato. La rapina finale è particolarmente riuscita proprio perché recupera una dimensione quasi ludica, trasformando il museo in uno spazio da manipolare e sfruttando con inventiva la moltiplicazione delle figure all’interno della scena.

La chiarezza dell’azione resta un grande pregio. Anche quando il piano diventa elaborato, McTiernan permette di comprendere gli spazi e le dinamiche fondamentali, trovando tensione nella progressione del meccanismo piuttosto che nella confusione. Questo rende ancora più evidenti alcune libertà della sceneggiatura. Quando Crown riesce a muoversi attraverso aree che dovrebbero essere completamente bloccate, entrando e uscendo sotto gli occhi di personale e visitatori nonostante allarmi e grate, la precisione della messa in scena finisce quasi paradossalmente per sottolineare l’inverosimiglianza dell’azione. Nella componente sentimentale la regia sceglie un impostazione molto più classica. McTiernan valorizza continuamente il fascino dei protagonisti, costruendo un erotismo esplicito e patinato e lasciando ampio spazio alla loro chimica. Funziona, ma contribuisce anche a spostare progressivamente il film dal thriller psicologico verso il romance. Rispetto a Jewison manca la sensazione di assistere a un cinema che vuole continuamente reinventare la propria forma. McTiernan realizza qualcosa di più convenzionale, ma anche estremamente professionale e piacevole da guardare.

Un remake elegante, sensuale e piacevole, trascinato da un Brosnan perfetto e da una buona Rene Russo, ma decisamente più romantico, convenzionale e meno ambiguo dell’originale.

Voto: 67/100