“La fine di Oak Street” – 2026 – La recensione

Regia: David Robert Mitchell / Anno: 2026 / Genere: Avventura, Fantastico, Thriller, Fantascienza /

Il passato non basta

“La fine di Oak Street” è un enorme contenitore dell’immaginario fantastico americano degli anni Ottanta, un’opera che guarda continuamente al cinema di Spielberg e alla produzione Amblin fino a trasformare la nostalgia nella propria principale ragione d’esistenza. David Robert Mitchell mette insieme la famiglia suburbana di Poltergeist, l’avventura preadolescenziale di Stand by Me, la meraviglia e il terrore di Jurassic Park, qualche suggestione da Tremors e una concezione dello spettacolo profondamente legata al cinema fantastico di quel periodo, costruendo un film tecnicamente solido, ma sorprendentemente povero di un’identità realmente autonoma.

Il problema non risiede nell’utilizzo dei riferimenti, quanto nella difficoltà di elaborarli. Il film sembra continuamente sul punto di trasformare il proprio repertorio nostalgico in qualcosa di personale, ma finisce quasi sempre per ricadere dentro modelli perfettamente riconoscibili. Persino alcune situazioni possiedono una familiarità quasi disarmante, come se Mitchell lavorasse assemblando ricordi cinematografici collettivi piuttosto che costruendo un nuovo immaginario.

La narrazione parte dalla quotidianità della famiglia Platt e utilizza l’irruzione progressiva dell’inspiegabile per destabilizzare un ambiente suburbano volutamente ordinario. Questa è probabilmente la fase più controllata della produzione, perché gli elementi fantastici vengono introdotti all’interno della normalità attraverso piccoli segnali, lasciando che sia la loro crescente incongruenza a produrre curiosità. Il problema emerge quando il racconto deve decidere cosa diventare ed inizia a cambiare ripetutamente registro con transizioni sorprendentemente brusche per un prodotto apparentemente familiare. Il dramma può trasformarsi nel giro di pochi minuti in commedia fantascientifica, questa in survival e il survival nuovamente in avventura familiare. Non è la contaminazione in sé a rappresentare un limite, ma l’assenza di un tono dominante capace di assorbire organicamente queste variazioni. Il film sembra quasi procedere per blocchi appartenenti a generi differenti. Una sequenza può cercare sinceramente il coinvolgimento emotivo e quella immediatamente successiva affidarsi a una gag apertamente demenziale, per poi precipitare improvvisamente nella minaccia e nell’azione. Mitchell possiede abbastanza mestiere da mantenere sempre leggibile il racconto, ma molto meno controllo sulla continuità emotiva dell’opera. Arrivati alla conclusione, più che avere attraversato una progressione narrativa sembra di aver assistito alla sovrapposizione di numerosi modelli cinematografici differenti.

La sceneggiatura utilizza la famiglia Platt come centro emotivo dell’intero racconto, costruendo il fantastico attorno a conflitti familiari semplici e immediatamente riconoscibili. Questa appare come una soluzione profondamente legata al cinema americano degli anni Ottanta, nel quale l’evento straordinario diventava frequentemente lo strumento attraverso cui ricomporre una famiglia attraversata da incomprensioni e fragilità. Il problema è che anche questa componente segue traiettorie estremamente prevedibili. I conflitti vengono presentati con chiarezza, ma raramente possiedono una complessità tale da rendere imprevedibile l’evoluzione dei personaggi. La scrittura preferisce lavorare sugli archetipi, utilizzando le dinamiche familiari soprattutto come collante emotivo tra una situazione spettacolare e quella successiva. Anne Hathaway è l’interprete che riesce maggiormente a superare questi limiti. La sua Denise possiede un’espressività capace di comunicare paura, incredulità e determinazione anche quando la scrittura non offre particolare profondità, diventando facilmente il centro emotivo del film. Ewan McGregor funziona bene all’interno dell’ensemble e il resto della famiglia mantiene una discreta chimica, ma complessivamente è il cast a conferire umanità a personaggi scritti in maniera piuttosto convenzionale.

Anche l’umorismo è discontinuo. Alcune situazioni funzionano proprio per il contrasto tra assurdità dell’evento e normalità suburbana, mentre altre sembrano inserite per alleggerire artificialmente la tensione, contribuendo ulteriormente all’instabilità tonale. L’originalità rimane però il problema principale dell’opera. Quando il film dovrebbe finalmente trovare una propria soluzione narrativa, continua a rifugiarsi nell’immaginario che lo ha preceduto. La conclusione arriva a recuperare in maniera quasi sfacciata una delle soluzioni più iconiche di Ritorno al futuro, rendendo estremamente prevedibile un passaggio che avrebbe dovuto rappresentare il definitivo compimento dell’avventura.

David Robert Mitchell dimostra ancora una volta di essere un regista tecnicamente competente, ma il suo linguaggio viene fortemente subordinato ai riferimenti cinematografici che intende evocare, con un influenza spielberghiana che attraversa praticamente tutta la messa in scena. Mitchell comprende perfettamente uno dei principi fondamentali di quel cinema, ovvero che mostrare immediatamente l’evento straordinario sia spesso meno efficace che mostrarne le conseguenze. Quando la minaccia rimane fuori campo, sono gli oggetti a raccontarne la presenza: qualcosa cade, l’ambiente reagisce ed i personaggi osservano una porzione dello spazio che lo spettatore non può ancora vedere. È una costruzione che inevitabilmente richiama Jurassic Park, ma che in alcuni momenti recupera anche la logica di Tremors, facendo percepire la presenza attraverso la trasformazione fisica dell’ambiente.

Mitchell riproduce con grande competenza la grammatica dello stupore spielberghiano, ma raramente riesce a deformarla secondo una sensibilità personale. Anche l’utilizzo della famiglia, della periferia americana e dell’irruzione del fantastico nello spazio domestico porta continuamente verso Poltergeist. I lampi, gli eventi inspiegabili, la disposizione dei personaggi all’interno della casa e il progressivo collasso della normalità sembrano provenire direttamente da quel vocabolario. Persino una situazione apparentemente insignificante come la chiamata del vicino per osservare l’enorme escremento comparso nel giardino rende evidente quanto Jurassic Park sia interiorizzato nella costruzione del film. Mitchell non nasconde mai le proprie influenze e spesso sembra divertirsi a renderle immediatamente riconoscibili.

Il montaggio rimane invece uno degli elementi più solidi. Nonostante la quantità di registri attraversati e la continua escalation degli eventi, l’azione conserva una buona leggibilità e il film mantiene un’energia sufficiente a sostenere il proprio accumulo. Anche nelle sequenze più caotiche Mitchell riesce generalmente a mantenere chiari posizione dei personaggi, direzione della minaccia e geografia dello spazio. Visivamente l’operazione completa consapevolmente il recupero nostalgico attraverso una costruzione dell’immagine che richiama il cinema fantastico anni Ottanta, ma ancora una volta l’impressione è quella di un’opera maggiormente interessata a ricostruire una memoria cinematografica che a generarne una nuova. Il paradosso è una regia che conosce perfettamente il cinema che sta citando e possiede gli strumenti tecnici necessari per riprodurne i meccanismi, ma proprio questa competenza rende ancora più evidente l’assenza di una vera emancipazione dai propri riferimenti.

SPOILER!!!

Il finale presenta inoltre un’incongruenza morale piuttosto evidente, che il film sembra non percepire affatto come problematica. La scelta della protagonista di intervenire per salvare il marito è perfettamente comprensibile sul piano emotivo e completa coerentemente il percorso familiare costruito dalla sceneggiatura. Molto meno coerenti risultano però le conseguenze di quella decisione. Una volta acquisita la possibilità di modificare ciò che è accaduto, Denise utilizza questa conoscenza sostanzialmente all’interno del proprio perimetro affettivo, avvertendo i vicini che conosce e salvando quindi un numero estremamente circoscritto di persone. Il problema non è pretendere dal personaggio una soluzione impossibile, ma il modo in cui la sceneggiatura interpreta successivamente le sue azioni. La successiva consacrazione pubblica del personaggio e la commercializzazione della propria esperienza attraverso il libro rendono questa contraddizione ancora più evidente: una tragedia collettiva viene ricondotta alla realizzazione individuale della protagonista. Decisamente una conclusione debole che entra in contraddizione con la dimensione comunitaria che il film aveva cercato di costruire.

Un divertente mappazzone tecnicamente solido e sostenuto da un buon cast, ma troppo derivativo e tonalmente instabile per trovare una vera identità.

Voto: 60/100