Recensione: “ Coraggio… fatti ammazzare ” – 1983

Regia: Clint Eastwood / Anno: 1983 / Genere: Poliziesco, Thriller, Azione, Drammatico /

Il volto della vendetta

“Coraggio… fatti ammazzare” è un’opera cupa e malinconica che conserva l’anima del poliziesco urbano ma si lascia attraversare da un senso opprimente di disillusione che ribalta progressivamente la morale callaghiana per interrogarsi sul significato stesso di vendetta e giustizia.

La narrazione riprende gli elementi tipici del thriller investigativo, utilizzandoli per costruire un racconto molto più vicino alla tragedia morale che al classico poliziesco. La costruzione del mistero, motore narrativo dei precedenti sequel, passa in secondo piano rispetto all’analisi delle motivazioni della carneficina. Si creano quindi due binari paralleli dove da una parte Harry indaga ruvidamente come suo solito, ma dall’altra viene proposta la progressiva ricostruzione del passato traumatico dell’antagonista, che trasforma il racconto in una riflessione crepuscolare sul dolore e sull’impossibilità di superare certe ferite. Appare evidente una maggiore maturità rispetto al passato ed uno spostamento dell’attenzione dello spettatore dal semplice confronto alle conseguenze emotive della violenza, il che anticipa il successivo cinema di Eastwood. La sceneggiatura abbandona la contrapposizione monodimensionale posizionando il glaciale protagonista in una situazione impossibile da ridurre semplicemente alla distinzione tra bene e male, dove la minaccia astratta è sostituita da una figura traumatica. Questa impostazione enigmatica e tragica beneficia al personaggio di Callaghan che, pur rimanendo fedele alla propria natura, mostra una sensibilità ed una capacità di comprensione che raramente erano emerse in passato. Il finale emblematico, uno dei momenti più rilevanti dell’intera saga, rivela che la legalità non riesce a contenere la complessità morale degli eventi, il che rappresenta una crepa significativa nella scrittura del personaggio. Anche le celebri battute ad effetto continuano ad esserci ed alimentano il necessario cinismo, ma sono più legate al percorso e meno dominanti.

La regia di Eastwood si lascia influenzare da Siegel e richiama direttamente l’essenzialità ed il rigore del primo capitolo, introducendo però una maggiore malinconia contemplativa che rende immediatamente riconoscibile la produzione come opera personale. L’atmosfera è probabilmente la più cupa dell’intera saga. Le notti soffocanti, gli spazi silenziosi e le ombre profonde trasformano la città di San Francisco in un luogo abitato da fantasmi del passato dove la dimensione spettacolare è ormai rarefatta. Efficace la gestione del ritmo che permette all’azione di confluire dopo l’osservazione, il silenzio e l’attesa degli eventi, il che rafforza un coinvolgimento emotivo dove la componente drammatica emerge con maggiore forza. Come Siegel ed i predecessori, Eastwood continua ad utilizzare Callaghan come centro gravitazionale della messa in scena, anche nelle sequenze meno rilevanti. La differenza è che in questo capitolo la sua presenza appare meno monumentale, più consapevole del peso accumulato nel corso degli anni e più attenta alle esitazioni, il che introduce una concezione del mondo crepuscolare che ricorda le sottili sfumature di tono del genere western e rende il film più umano rispetto ai precedenti sequel. L’azione mantiene la tradizionale solidità, ma funziona più come tensione morale che accompagna gli eventi che come evento spettacolare. Se Siegel aveva trasformato Callaghan in un’icona, Eastwood è il primo a chiedersi che significa vivere per anni all’interno di quell’icona.

Il capitolo più maturo ed il migliore dopo l’originale.

Voto: 75/100