“Tremors 2: Aftershocks” – 1996 – La recensione

Regia: S.S. Wilson / Anno: 1996 / Genere: Horror, Fantascienza, Commedia /

La minaccia cambia forma

“Tremors 2” rappresenta uno dei più riusciti esempi di sequel destinato direttamente al mercato home video, riuscendo a conservare buona parte dell’identità del capostipite nonostante una produzione più contenuta e l’assenza di Kevin Bacon. Wilson, già coinvolto nella scrittura del primo film, raccoglie l’eredità di Ron Underwood scegliendo di non stravolgere la formula originale, ma di svilupparla attraverso una nuova evoluzione delle creature e un differente equilibrio tra i personaggi. La componente horror continua a convivere con una comicità scanzonata e con un cinema d’azione costruito soprattutto sull’inventiva, facendo ancora una volta della sopravvivenza un problema da risolvere attraverso osservazione, ingegno e improvvisazione. Il risultato è inevitabilmente meno sorprendente rispetto al primo capitolo, ma possiede una vitalità che molti sequel realizzati con mezzi superiori non riescono a raggiungere.

La vera intuizione consiste nell’aver compreso che riproporre semplicemente i Graboid avrebbe rischiato di trasformare la vicenda in una replica impoverita dell’originale. L’introduzione degli Shrieker permette invece di cambiare le regole del gioco, restituendo alla minaccia una componente di imprevedibilità e dimostrando come l’universo di Tremors possa evolversi senza perdere la propria riconoscibilità.

La narrazione riprende Earl Bassett alcuni anni dopo gli eventi di Perfection, riportandolo a confrontarsi con i Graboid attraverso una nuova missione ambientata in Messico. L’avvio è piuttosto rapido e recupera immediatamente la familiarità del protagonista con le creature, permettendo al film di evitare una lunga fase introduttiva e di entrare quasi subito nel proprio meccanismo d’azione. La prima parte sfrutta soprattutto il piacere di ritrovare una minaccia conosciuta, modificandone però il contesto e le modalità di confronto. Earl non affronta più un pericolo completamente sconosciuto, ma qualcosa che pensa di aver imparato a controllare. Questa sicurezza iniziale permette alla narrazione di costruire un’evoluzione efficace, trasformando progressivamente le conoscenze acquisite nel primo film in strumenti insufficienti. L’arrivo degli Shrieker costituisce il vero punto di svolta, modificando radicalmente la struttura del racconto. Le creature abbandonano la dimensione sotterranea e cominciano a individuare le prede attraverso il calore corporeo, costringendo i protagonisti a ripensare completamente il proprio comportamento. Il film recupera così una dinamica d’assedio che ricorda il capostipite, sostituendo però le precedenti limitazioni con nuove possibilità di movimento e nuovi problemi da risolvere. Questa trasformazione permette alla seconda metà di acquistare una vitalità maggiore, facendo della scoperta delle caratteristiche degli Shrieker il principale motore della suspense. La progressione resta comunque più semplice rispetto all’originale. Alcune situazioni sono costruite secondo schemi facilmente riconoscibili e il racconto non possiede sempre la stessa precisione nell’alternare pericolo, comicità e invenzione. Il ritmo, tuttavia, resta generalmente sostenuto e la durata contenuta permette al film di evitare particolari dispersioni.

La sceneggiatura di S.S. Wilson e Brent Maddock conserva l’elemento fondamentale della formula originale, ovvero l’idea che la sopravvivenza dipenda principalmente dalla capacità di comprendere il funzionamento delle creature. Anche in questo caso la minaccia possiede regole precise e sono proprio queste a generare le situazioni più interessanti. Il passaggio da predatori sotterranei a creature bipedi capaci di percepire il calore modifica il rapporto tra esseri umani e ambiente, permettendo alla scrittura di introdurre problemi completamente differenti. La conoscenza acquisita in precedenza perde improvvisamente valore, costringendo Earl e gli altri a ricominciare da capo. Questa scelta permette inoltre al sequel, giò improntato nell’dea franchise, di ampliare la mitologia dei Graboid senza appesantirla attraverso spiegazioni eccessive. L’evoluzione delle creature viene utilizzata principalmente per generare nuove situazioni, conservando quell’approccio pratico che aveva reso così efficace il primo film. Sul piano dei personaggi, Earl assume una centralità maggiore e viene sviluppato attraverso una condizione di insoddisfazione personale che lo rende qualcosa di più del semplice sopravvissuto richiamato all’azione. La sua esperienza precedente non gli ha garantito una vita particolarmente soddisfacente e la nuova avventura diventa anche un’occasione per recuperare fiducia nelle proprie capacità. La componente sentimentale funziona proprio perché viene inserita senza pretendere di trasformare il film in qualcosa di diverso. Il rapporto con Kate aggiunge una dimensione più umana al protagonista, offrendo un contrappunto alla sua abituale ironia e permettendogli di trovare una prospettiva differente rispetto alla continua necessità di arrangiarsi. Meno convincente è Grady Hoover, costruito per occupare almeno parzialmente lo spazio lasciato libero da Valentine McKee. Il personaggio possiede un entusiasmo volutamente ingenuo e una comicità più esplicita, ma non riesce a ricreare quella naturalezza che caratterizzava il rapporto tra Bacon e Ward. Fortunatamente il ritorno di Burt Gummer introduce una dinamica molto più riuscita. La sua ossessione per le armi e la preparazione militare vengono ulteriormente sviluppate, trasformandolo in una figura sempre più centrale nell’identità della serie e permettendo alla sceneggiatura di trovare alcune delle situazioni più divertenti.

L’assenza di Kevin Bacon si avverte soprattutto nella perdita di una dinamica di coppia perfettamente equilibrata. Val ed Earl funzionavano attraverso una continua alternanza di provocazioni, discussioni e complicità, mentre il rapporto tra Earl e Grady assume una forma più convenzionale, basata sulla contrapposizione tra l’esperienza del primo e l’entusiasmo ingenuo del secondo. Il rapporto tra Earl e Burt funziona comunque perché mette a confronto due modi differenti di reagire al pericolo. Earl è pratico, ironico e spesso insofferente, mentre Burt affronta ogni problema come un’operazione militare da preparare meticolosamente. La loro collaborazione trova comicità più spontanea rispetto a quella costruita intorno a Grady.

La regia di S.S. Wilson conserva una buona comprensione dei meccanismi che avevano reso efficace il film originale, dimostrando particolare attenzione alla gestione dello spazio e alla costruzione delle sequenze d’azione. Il passaggio dietro la macchina da presa di uno degli autori della sceneggiatura permette inoltre di mantenere una notevole coerenza tra le regole delle creature e le situazioni attraverso cui vengono sviluppate. La differenza rispetto a Underwood emerge però nella confezione. La fotografia possiede una qualità meno cinematografica, gli ambienti risultano più limitati e la messa in scena assume occasionalmente un carattere quasi televisivo. Il deserto continua a offrire uno scenario efficace, ma perde parte della presenza visiva che aveva caratterizzato Perfection e i paesaggi del Nevada. Wilson compensa queste limitazioni concentrandosi soprattutto sulle creature e sulle loro possibilità d’interazione con gli ambienti. Gli effetti pratici rappresentano ancora una volta uno dei principali punti di forza, utilizzando animatronics, pupazzi meccanici e soluzioni artigianali capaci di conferire ai mostri una consistenza fisica estremamente piacevole. Gli Shrieker possiedono un design riuscito, abbastanza differente dai Graboid da giustificare la loro introduzione e contemporaneamente coerente con l’universo della serie. La possibilità di muoversi in superficie permette inoltre di costruire sequenze più dinamiche, modificando il rapporto tra macchina da presa, creature e protagonisti.

Particolarmente efficace è la scelta di mantenere una certa concretezza negli scontri. Le creature interagiscono direttamente con gli oggetti e con gli spazi, permettendo alla regia di sviluppare una comicità che nasce spesso dalle conseguenze impreviste delle azioni dei personaggi. Le sequenze legate a Burt rappresentano probabilmente il momento nel quale Wilson sfrutta meglio il rapporto tra azione e ironia, utilizzando l’arsenale del personaggio per costruire situazioni tanto spettacolari quanto volutamente esagerate. Manca però inevitabilmente la stessa inventiva visiva del capostipite. Underwood riusciva a trasformare praticamente ogni elemento del paesaggio in una possibilità cinematografica, mentre Wilson lavora più frequentemente attraverso soluzioni funzionali, privilegiando la chiarezza e l’efficacia rispetto alla ricerca di inquadrature particolarmente memorabili. Il risultato resta comunque più che positivo, soprattutto considerando le condizioni produttive. Il secondo capitolo non tenta di mascherare completamente la propria natura di sequel direct-to-video, ma dimostra come una buona conoscenza del materiale originale e un utilizzo intelligente degli effetti artigianali possano compensare una confezione meno ambiziosa.

Un sequel direct-to-video sorprendentemente riuscito, meno cinematografico e carismatico dell’originale, ma ancora divertente, inventivo e fedele allo spirito della serie.

Voto: 68/100