“Truman Capote – A sangue freddo” – 2005 – La recensione

Regia: Bennett Miller / Anno: 2005 / Genere: Drammatico /

Scrivere sulla pelle degli altri

“Truman Capote” è un biopic rigoroso e profondamente antiagiografico che utilizza la genesi di “A sangue freddo” per interrogarsi sul confine sempre più ambiguo tra creazione artistica, ambizione personale e responsabilità morale, evitando tanto la celebrazione dello scrittore quanto la semplice ricostruzione di uno dei casi criminali più celebri della storia americana. Miller concentra il film sugli anni trascorsi da Capote lavorando al libro, osservando progressivamente come il desiderio di comprendere Perry Smith finisca per contaminarsi con la necessità che la sua storia abbia la conclusione necessaria all’opera che sta scrivendo. Capote, infatti, prova una sincera fascinazione per Smith, riconoscendovi qualcosa di sé stesso e sviluppando una relazione che sarebbe semplicistico considerare interamente falsa, ma contemporaneamente utilizza quella vicinanza, manipolandola e subordinandola progressivamente alle esigenze del proprio lavoro.

Tutto però è estremamente controllato, preciso e intellettualmente stimolante, ma forse persino troppo. Il film possiede numerose qualità da grande film, ma lascia un’impronta sorprendentemente debole nel lungo periodo, rimanendo maggiormente nella memoria per la straordinaria interpretazione di Philip Seymour Hoffman che per immagini, situazioni o intuizioni registiche realmente indelebili.

La narrazione evita deliberatamente la struttura tradizionale del film investigativo. Gli omicidi non rappresentano un mistero da risolvere e Miller non costruisce il racconto intorno alla ricerca dei responsabili, il che sposta rapidamente l’interesse sul rapporto che Capote instaura con il caso e successivamente con Perry Smith. Il vero movimento narrativo diventa così la progressiva trasformazione dello scrittore. Più Capote si avvicina al materiale necessario per completare il libro, più il confine tra osservatore e partecipante diventa difficile da individuare. L’indagine giornalistica si trasforma lentamente in coinvolgimento personale e quest’ultimo in un rapporto sempre più compromesso dalla consapevolezza che la vita reale di Smith costituisce contemporaneamente la materia della futura consacrazione letteraria dello scrittore. Il ritmo, volutamente lento e misurato, procede attraverso conversazioni, visite, attese e piccoli cambiamenti nel rapporto tra i personaggi. Questa compostezza permette alla progressione morale di avvenire senza sottolineature, ma produce anche una certa uniformità. Il film mantiene quasi costantemente la stessa temperatura emotiva, rendendo meno percepibili alcuni passaggi che avrebbero potuto rappresentare autentiche fratture narrative. Questa è una delle ragioni per cui l’opera risulta meno memorabile di quanto la sua qualità suggerisca.

La sceneggiatura di Dan Futterman trova il proprio elemento più sofisticato nella decisione di non stabilire mai con certezza quanto dell’interesse di Capote per Perry Smith appartenga all’uomo e quanto allo scrittore. Le due dimensioni diventano progressivamente inseparabili, costruendo un protagonista che può essere sinceramente commosso dalla sofferenza di qualcuno e contemporaneamente chiedersi quale valore narrativo quella sofferenza possa assumere. La scrittura sviluppa intelligentemente una riflessione molto più interessante del semplice conflitto tra bene e male. Il problema diventa il rapporto tra artista, soggetto e su quanto sia possibile raccontare il dolore altrui senza appropriarsene. Capote offre attenzione, assistenza e vicinanza ai condannati, ma quella stessa vicinanza gli garantisce accesso a un materiale umano che nessun altro possiede. Perry Smith è fondamentale perché la sceneggiatura evita di ridurlo tanto al mostro quanto alla vittima. La relazione con Capote viene costruita attraverso riconoscimenti reciproci, dipendenza e manipolazione, trovando nell’ambiguità psicologica una tensione molto più forte di quella prodotta dal caso criminale stesso. La scrittura evita inoltre di assolvere il protagonista attraverso il talento. “A sangue freddo” può essere un’opera straordinaria e contemporaneamente essere nata attraverso un processo moralmente discutibile. Il film ha l’intelligenza di non considerare queste due affermazioni incompatibili.

Philip Seymour Hoffman domina inevitabilmente l’opera, offrendo una delle interpretazioni più impressionanti della propria carriera. Il rischio della caricatura era enorme, considerando la voce, la gestualità e la personalità estremamente riconoscibili dello scrittore, ma Hoffman supera rapidamente l’imitazione, utilizzando quegli elementi per costruire un individuo molto più complesso. La voce sottile, i movimenti controllati, la postura e le espressioni diventano progressivamente naturali, permettendo di dimenticare l’esercizio mimetico e facendo emergere soprattutto le contraddizioni del personaggio. Capote può essere brillante, divertente e magnetico in società, trasformandosi immediatamente quando comprende di poter ottenere qualcosa da chi ha davanti ed Hoffman riesce a rendere visibile questa intelligenza sociale senza trasformarla automaticamente in malizia. Particolarmente riuscita è la capacità di mantenere contemporaneamente egoismo e fragilità. Capote manipola, mente e utilizza gli altri, ma Hoffman non permette mai di ridurlo a un opportunista privo di sentimenti. Il paradosso resta però fortemente evidente. Hoffman è talmente superiore e memorabile da finire per assorbire il ricordo dell’intera opera. A distanza di tempo rimane soprattutto Capote, mentre molti dei personaggi e delle situazioni costruiti intorno a lui tendono inevitabilmente a sfumare.

La regia di Bennett Miller costruisce l’opera attraverso un controllo quasi glaciale della messa in scena, evitando qualsiasi spettacolarizzazione tanto del crimine quanto del progressivo deterioramento morale del protagonista. La macchina da presa osserva più di quanto interpreti, lasciando che siano comportamenti, silenzi e piccole variazioni nei rapporti tra i personaggi a suggerire ciò che il film evita deliberatamente di dichiarare. Miller lavora soprattutto sulla distanza e non cerca continuamente il coinvolgimento immediato dello spettatore, mantenendo spesso i personaggi dentro composizioni estremamente controllate e permettendo alle conversazioni di svilupparsi senza forzarne emotivamente il significato. La scelta è perfettamente coerente con una storia che rifiuta di indicare chi debba essere assolto e chi condannato, lasciando che l’ambiguità morale emerga autonomamente. Anche quando si avvicina a Perry e Capote, la regia evita di trasformarne il rapporto in una relazione sentimentalmente rassicurante. La freddezza visiva e la desaturazione dell’immagine accompagnano questa impostazione, trovando nei grandi spazi del Kansas una forma di isolamento che continua anche quando i personaggi condividono la stessa stanza. In questo caso la fotografia non rappresenta semplicemente una scelta estetica, ma partecipa direttamente alla sensazione di distanza emotiva costruita dalla regia. Questo rigore diventa però il principale limite di Miller. La regia mantiene talmente saldamente la propria compostezza da impedire talvolta al film di produrre immagini o momenti capaci di imprimersi realmente nella memoria. L’emozione rimane spesso sottesa, trattenuta e osservata a distanza, una soluzione intellettualmente coerente ma che finisce per raffreddare anche il rapporto dello spettatore con l’opera.

Un biopic rigoroso e moralmente ambiguo che trasforma la nascita di un capolavoro letterario in una riflessione sull’appropriazione del dolore altrui.

Voto: 75/100